Tão profundamente concebido quanto primorosamente apresentado, este desfile da Maison Margiela sob a direção de Glenn Martens esteve perto de ser uma obra-prima. E só digo ‘perto de’ porque; a) insistir que uma coleção construída para derrubar a noção de perfeição é quase perfeita deve estar errado, e b) Martens e o estúdio Margiela parecem estar apenas entrando no ritmo: muito mais está por vir.

Esta noite estávamos num pátio de contêineres em Xangai. Como qualquer desfile de “destino”, este primeiro desfile da Maison Margiela fora de Paris foi impulsionado pela expansão, neste caso para prefaciar um tour por quatro cidades de quatro exposições dedicadas a descodificar algumas tradições fundamentais – incluindo as tão incompreendidas máscaras – na China. Excepcionalmente, porém, esta noite o deslocamento do destino serviu à coleção. Estávamos cercados por torres de contêineres vermelhos, azuis e verdes, estampados com os nomes de suas operadoras e clientes: Vi muitos Temu. Esta artéria comercial crítica para o maior exportador do planeta bateu suavemente contra a proveniência económica de grande parte da colecção: do mercado livre ao mercado de pulgas.

Martens e o atelier iniciaram esta coleção, que incluía o pronto-a-vestir e a oferta Artisnal, regressando ao processo frequentemente observado por Martin Margiela: o upcycling criativo. A primeira exposição de Margiela, que abre aqui amanhã, inclui 58 looks de arquivo confeccionados de diversas maneiras, desde perucas, pentes, cartas de baralho e muito mais coisas efêmeras. A economia do outono de 2026 começou com um grupo de bonecas de porcelana do século XIX. Além de desencadear a associação direta com a China, isso se traduziu em um incrível vestido de 90 quilos feito de um mosaico de porcelana quebrado; sua bainha lascou e guinchou ao ser usada no chão áspero de cimento. Eles inspiraram ainda os três primeiros looks ímpares, nos quais cerca de oito camadas de organza vítrea foram impressas e pintadas e em camadas, drapeadas e moldadas sobre saias para criar superfícies visuais envolventes e desafiadoras. Eles eram usados ​​​​sob máscaras cobertas apenas o suficiente para revelar a boca vazia e impressa da maquiagem do rosto de boneca por baixo.

Depois que a porcelana desapareceu de vista, vimos uma série de looks noturnos apresentados como superfícies semelhantes a pele, com jersey esticado e colado sobre as entranhas das roupas sob medida com tanta força que era possível ver o contorno da arquitetura do traje abaixo. Posteriormente, isso foi retomado em uma série de looks, jaquetas, calças e vestidos de couro, nos quais as bordas construídas da vestimenta eram deixadas inacabadas como couro cru. Martens e o estúdio aplicaram então o tratamento Margelian Bianchetto a peças de vestuário, incluindo um vestido de seda drapeado para dentro, fraques e calças, e um terninho com saia de mohair com estampa argyle. O corpete e os braços de um incrível vestido de senhora escolar com referência eduardiana foram moldados em tinta branca misturada com látex, de modo que a superfície Bianchetto da peça também fosse sua substância: isso exigia que sua modelo mantivesse os braços cruzados em uma advertência recatada em todos os momentos. Outro vestido pintado com superfície enrugada foi revestido com folha de ouro para criar uma peça de roupa que era ao mesmo tempo rica e devastada.

Alguns vestidos da década de 1870 que o estúdio encontrou em seu passeio pelos mercados de pulgas de Paris foram encharcados de cera de abelha, como se estivessem presos em âmbar, antes de serem pendurados e deixados escorrer enquanto endureciam. Assim como o vestido de porcelana, eles ficaram estressados ​​​​com o uso que receberam na passarela e deixaram rastros de cera rachada para trás. Mais alguns vestidos do século XIX, preservados há muito tempo, mas tornados desesperadamente delicados pelo tempo, foram montados em tecido e depois removidos para deixarem as suas marcas em vestidos “novos”: esfarrapados em matéria. Fios de metal reciclados, veludos vintage, cobertores com franjas, jacquards para móveis e tapeçarias quebradiças foram todos transformados em móveis para a forma humana.

O drapeado, bem martensiano, era maravilhoso. Complexamente chicoteado e enrolado, ele se espalhava pelo corpo em turbulências como eventos climáticos emocionais visíveis: estes eram mapeados em resmas de tafetá em creme fosco ou lilás brilhante, bem como nos fios de metal. Menos complexos, mas ainda assim impactantes, foram os looks sob medida cobertos com seda e renda que criaram uma colisão elegante de categorizações de gênero, e os vestidos em florais desbotados nos quais estavam cortadas cicatrizes cremosas de pregas.

As máscaras podem parecer perturbadoras; o objetivo original deles era desviar a atenção da pessoa para as roupas usadas, mas hoje muitos observadores parecem achar que essa retenção margeliana de identidade é de alguma forma ofensiva por procuração. No chão, no entanto, o aspecto mais desafiador desta coleção foi quando o sapato sem salto e a bainha até o chão às vezes discordavam do piso áspero de cimento. Nenhuma oscilação, entretanto, levou ao colapso. Numa era de globalização e padronização em que a identidade é mercantilizada como dados, esta Maison Margiela era ferozmente resistente, espiritualmente evasiva e maravilhosamente imperfeita.